Michael Jackson

Esta fue mi feliz introducción al mundo del video clip, y casi casi de la rumba negra en inglés, “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”:

A la hora de hablar de tipos como Michael Jackson mucha gente se transforma en un insoportable crítico de arte, de esos a los que cualquier cosa que sea exitosa les parece terriblemente sospechosa. Por otro lado, la gente también se vuelve una especie de Torquemada, un inquisidor implacable que debe extirpar cualquier asomo de pecado del mundo. Ambas posiciones me parecen insoportables.

Los ultra indie, o alguna vez ultra alternos, reaccionan de manera irracionalmente agresiva cuando oyen la palabra “comercial”. Como sabemos, es peor que mentarles la madre. El problema es que el no entrar en la mecánica de los mercados masivos no garantiza calidad, ni en la música ni en ninguna otra área, ni viceversa. Quienes entran en la industria y la aprovechan o permiten que la industria se aproveche de ellos, no necesariamente deben producir porquería. Una cosa es la calidad, otra el acceso a los mercados masivos. El esnobismo detrás de esta idea es bastante claro: lo mejor es oir música que nadie oye, y luego inventarse que cualquier música masificada es mala. Otra cosa es pensar que no hay más música más allá que la programada por los medios estándar, obviamente.

Por el otro lado, mucha gente piensa que la producción creativa de los artistas con “vidas moralmente conflictivas” debe ser, necesariamente, mala. Este es otro rasgo patente de pobreza en la capacidad de análisis. Si ser un buen artista depende de la aceptación de los cánones morales, tendríamos que quedarnos con una minoría selecta de santurrones. La vida disipada, vil y corrupta que pudiese tener un creador no tiene que ver con su creación. De otra forma habría que hacer hogueras enormes con cientos de novelas, poemas, edificios y, claro, discos de rock. Muchas veces la incapacidad creativa trata de escudarse en cruzadas moralistas muy improductivas, como en el caso de U2 en los últimos años y su activismo vacío supuestamente a favor de la pobreza en África.

El caso de Michael Jackson sirve para ejemplificar ambos posiciones. Su producción, hasta bien entrados los 80, indiscutiblemente está entre los clásicos de la música negra de EU, incluyendo sus discos con los Jackson 5. Su talento como bailarín y showman en concierto dejó un precedente que todavía sirve de referencia para los músicos del género. Los récords de ventas que obtuvo no opacan esa calidad, ni su uso magistral del video clip para promocionar sus discos -recordemos que gracias a él se acabó parcialmente el veto a los artistas negros en Mtv. Otra cosa muy diferente fue su vida personal, y la forma como la prensa lo explotó. De haber sido el peor acosador de menores de edad de su generación, incluso eso no habría cambiado el hecho de que era un excelente músico.

Jacko llevó al extremo, hasta convertirlas en caricaturas, a un par de tendencias muy fuertes en las sociedades de nuestra época.  El miedo a asumir las edad adulta y sus responsabilidades, alargando intermitentemente la adolescencia; y el miedo a las consecuencias físicas del envejecimiento, y uno que otro rasgo heredado. Su extraño cariño por los adolescentes y los niños tampoco viene de alguna extraña enfermedad que sólo él padeció. Jacko pudo terminar su vida viéndose como una extraño andrógino blanco de no mas de 30 años, abandonando sus fuertes rasgos negros masculinos, y además compartiendo su cama con menores de edad. El problema es que no son precisamente pocos quienes hacen lo mismo, sólo que sin llegar a esos extremos. Muchas personas desean mantenerse en una adolescencia prolongada, incluyendo, claro,  a muchos de quienes desean convertir al rock en un estilo de vida. No son pocos quienes desean con fervor jóvenes efebos y nínfulas, y no precisamente para educarlos. Sin embargo, estas tendencias parecen olvidarse a la hora de criticar a Jacko.

En todo caso, Jackson no va a sufrir nunca más las tristes consecuencias de su cortísima niñez. Nosotros podemos seguir disfrutando lo mejor de su legado:

¿Oyendo mp3 en la buseta?

Tomado de un blog muy original sobre noticias de música caricaturizadas. Me identifico plenamente con la referencia a la desesperacion suicida cuando no está la canción deseada.

Depeche Mode en la tenaz suramericana

Al parecer sigue la buena racha de conciertos en mi amada Bogotá: Depeche Mode dará allá un concierto seguramente memorable en octubre de este año.  Las buenas bandas latinoamericanas, nuevas y viejas, nos han visitado con cierta frecuencia, en parte gracias a ese regalo de los dioses que es Rock al parque. Respecto a las bandas Anglo de impacto global la cosa era muy diferente, a pesar de un par de milagros muy ocasionales, como la visita de los White Stripes en 2005. Sin embargo, desde el 2007, la lista se ha nutrido de bandas tan buenas y relevantes para la música popular actual como Bjork, REM, Mars Volta, Muse, Placebo, Block Party y Black Rebel Motorcycle Club; por otro lado, también tocaron dinosaurios delux como Duran Duran, Roger Waters, Kiss o Iron Maiden, estos últimos para deleite de audiencias un poco estrechas y musicalmente intolerantes, como es el caso de los insufribles metaleros. Digo dinosaurios delux porque esta gente hace años que dejó de hacer algo relevante, pero en su tope creativo -hace más de 20 años-  llegaron a ser muy influyentes y relativamente innovadores. También vinieron en el mismo periodo shows al parecer muy divertidos pero completamente irrelevantes para las tendencias presentes y futuras del rock o el pop: Maroon Five y Gwen Stefani están ahí. Probablemente DM se encuentra ahora entre esas tres categorías.

A pesar de que mejoramos en la calidad de los visitantes, todavía estamos muy lejos de la actividad constante y plural que se da en ciudades como México DF, Santiago o Buenos Aires. En general, la movida en esos focos de recepción y creación cultural tradicionalmente opaca nuestros logros con facilidad. Eso se evidencia también en la forma como la prensa musical se refiere a esos artistas, la precisión  y seriedad de sus reportajes y críticas. No hay toderos cubriendo todos los géneros de música popular, y se entiende que ese venerable principio de la división del trabajo también rinde frutos en estos espacios: una cosa es saber de rock contemporáneo, otra saber de las bandas Bilboard o de géneros diferentes, o de historia del rock. Apostarle a que  un periodista se ocupe al tiempo de todo tipo de música y esperar  buenos resultados es casi risible.

La cuestión es que Depeche Mode es una de mis bandas más queridas. Fue uno de los primeros grupos que oí con atención, tratando de entender el sentido de sus letras y sus influencias.  Por otro lado, Depeche Mode es uno de los casos más interesantes de recepción de tendencias o estéticas en nuestro entorno. Recuerdo que durante mis lejanos tiempos en el bachillerato, todos los snobs oían o decían oír a la banda hasta antes del Violator. Aunque todos eran de clase media alta, conservadores, homofóbicos y cerrados, estaban felices de oír a una banda que usaba metáforas al tiempo sadomasoquistas y religiosas en sus letras, llegó a coquetear con cierta posición izquierdista en el Construction time again y tuvo tuvo una  estética deliberadamente glam durante diferentes etapas de su carrera. ¿Sabían estos tipos cómo eran los DM en realidad? Lo dudo.

Por ese entonces, DM junto a The Cure y el U2 era lo que debían oír quienes quisieran ser trendy en nuestra ciudad. Los gustos musicales y la música en sí misma se difundían de una manera muy diferente. A finales de los ochenta, como lo señaló ya el señor Mostaza, la influencia de los excelentes vendedores de discos de la 19 era más fuerte que  Mtv o las emisoras de radio – esa épocaque murió físicamente con Saúl, aunque estaba acabada hacía mucho tiempo-. La recepción del mensaje completo de la banda era mucho más difícil y en últimas nos llegaba un código muy difícil de entender: letras y música muy lejos de su contexto original. Depeche mode llegó, entonces, con una mezcla de los rótulos que le habían puesto en las emisoras de College Radio gringas y su “aura” real, esa mezcla de elementos góticos, techno y rock que todavía conserva, y el ruido que se creaba aquí, esa falsa aura de sofisticación vacía -a la Rick Astley- que difícilmente podría aplicárseles.  En todo caso, al momento de comparar la calidad de DM con otras bandas de esa época sus propuestas se quedan cortas.

En sus 30 años de existencia difícilmente podría decirse que alguna vez fue una de las mejores de la historia. ¿Cómo sostener una afirmación como esta? Decir eso no hace al concierto más importante. DM es muy relevante, claro, pero eso es muy diferente aser una de las mejores bandas de la historia. Sus primeros trabajos sentaron las bases de lo que sería el synthpop, pero cuando ya habían aparecido hacía poco otros pioneros. Su primera etapa con Vince Clark a la cabeza, el futuro líder de Yaz y Erasure, es una cátedra sobre cómo usar los sintetizadores para hacer un buen pop. La unión de sonidos futuristas y ritmos bailables no era muy extraña para la época -Giorgio Moroder hacía rato estaba produciéndolos-, pero en este caso eran más contundentes:

La llegada de Alan Wilder -1982- traería complejidad y nuevas influencias, incluyendo la música industrial, en una época en la que esos sonidos estaban muuy lejos del mainstream, vinculándose luego con sonidos y posturas más rockeras en los 90. En ese proceso le abrieron el camino a muchas bandas y mantuvieron una calidad notable -para la prueba recomiendo oir con calma su Black Celebration, el despegue de su postura oscura y decadente- pero nunca llegaron al tope al que sí lograron llegar y mantenerse otros grupos. Sin necesidad de llegar a los extremos de quienes consideran al formato guitarra-bajo-batería como el único valioso en el rock, es claro que Depeche Mode no le llega ni a los talones al REM del 83 – 88, o al U2 de  84-87, al Sonic Youth 87 – 92 o al Radiohead 97-2001. Comparado con otras bandas de su género, Depeche Mode nunca logró un disco como Dare de Human League, por ejemplo, y New Order los rebasa en influencia, calidad y creatividad sin dificultades, al igual que los Pet Shop Boys, abiertamente orientados al electropop bailable con letras inteligentes.

No me queda más que ir a verlos, sabiendo que no se trata de nada más que otra oportunidad para lidiar con la nostalgia.

Los salvadores

Con estos salvadores mesiánicos para qué buscar codiciosos tiburones capitalistas:

“The U2 guitarist’s plans to build five mountaintop mansions in Malibu with fantastic oceanside views is facing fierce opposition from some famous NIMBYs concerned the homes will be an environmental catastrophe… This is not the first fight Evans has found himself in with neighbors. He and the rest of U2 came under fire in their hometown of Dublin for now defunct plans to build the so-called U2 Tower, a proposed skyscraper in the heart of the city that would’ve been the tallest in Ireland. Preservationists claimed the $220 million project would have resulted in the tearing down of four adjacent historic buildings.”

Ni hablar de su último disco, en el que intentaron vender la idea de que habían logrado un segundo Achtung Baby. Todo tiempo pasado será mejor para los creadores del Unforgettable Fire, al menos en cuanto a su música. Ya va siendo oficial: U2 serán los Rolling Stones de su generación, otros dinosaurios repitiéndose una y otra vez, con muchas ambiciones financieras y una evidente incapacidad creativa.

Resurrección

Bueno, nunca es tarde para escribir otra vez en el blog, y no hay una mejor canción para hacerlo que esta:

Stone Roses en vivo, durante su mejor momento, en 1989.

Yo también soy la resurrección, claro.

Despedida a Hayes

Creo que lo oi por primera vez en las cortinillas de algún extraño programa chic – cultural de la televisión de los ochenta, presentado por Pía Barragán. Por mucho tiempo este fue mi prototipo del funk. Con el tiempo entendí de dónde venía “Fame” de Bowie y otro par de canciones blancas que querían reutilizar el tumbao negro en los 70:

Lo peor era que “Shaft” no era lo mejor de Isaac Hayes. Luego de oir varios especiales Soul to Soul de Ángel Perea en la Radiodifusora y UN radio, el resto de su música me pareció mucho mejor. Su “Hot Buttered Soul”, por ejemplo, es la madre del viejo sonido Portishead.

En fin. Otro al que hay que hacerle una buena despedida.

De estética y periodismo cultural

no es cuento nuevo

Solano, el de Caja de resonancia, se ve que es buena gente, sus posts son hechos con cariño y cero mala leche, es un paldín de la tolerancia, pero a veces sale con unas… Por pasar de melómano buena papa no se le perdonan sus gaffes. Se fija en detalles tan trascendentales para evaluar el show de una banda como que su cantante imita fielmente la voz de su anterior vocalista, por cierto muy famoso -y realmente talentoso e innovador-: los Wailers, que ahora hacen giras con un imitador de Bob Marley. En otra afirma que los Beastie Boys maduraron, porque “ahora” hacen una especie de jazz instrumental y no cantan -no ha oido el otro disco de instrumentales que tienen los BBs, por lo visto-, lo cual es muy bueno, porque sus voces son malas. En fin, éste es sólo un ejemplo. Este post no es sobre Solano. Es sobre las ideas detrás de lo que escriben los periodistas culturales en nuestra prensa. En términos directos, sobre la estética detrás de esas notas de prensa.

Los periodistas culturales suelen ser un poco erráticos por acá cuando se trata de hablar de música popular, de rock y afines. Si hablan de lo que ha sido aceptado como gran arte en este ámbito, como el Jazz o el Blues, ahí si lo hacen con propiedad, sin ese tono de “discúlpeme pero tal vez esto de pronto puede que sea de nuestro interés “. Cuando reseñan una banda o un disco son terriblemente inexactos, y si es de una corriente nueva les cuesta cantidades cuadrar su discurso para describirla. Respecto a esa inexactitud, parece que estuvieran hablando de algo sin importancia, por ende algo que no vale la pena ser investigado y analizado. En ese caso, pues hombre, si el rock o el pop les parece baladí, tonto o absurdo, pues escriban sobre el catálogo de la Deutsche grammophon, Verve o ECM nada más. Lo gracioso del asunto es que hace mucho tiempo el Jazz y el Blues también eran considerados poca cosa, música irracional para las masas vergonzantes sin gusto.

Ahora, si se trata de poner como indicador de la calidad de una banda elementos como la voz de su cantante, pues la cosa se pone muy fácil. ¿Quién tiene mejor voz entre estos dos sujetos, por ejemplo?

Eso significaría que Dylan, como tiene voz de tarro pero es un magnífico letrista e intérprete, es un artista menor a comparación de Cristina Aguilera, dotada, entre otros atributos, con una voz muy hermosa. El problema es que dentro de la estética que deciden seguir o crear estos artistas, a veces está la opción de cantar, gritar, desafinar, aullar, berrear, etc., sin importar criterios de coro del colegio. Es como decir “Pollock es un mal artista: no se ven trazos claros en sus pinturas, y en cambio los pintores que trabajan para la marquetería de mi barrio son muy buenos, !hacen bodegones que parecen de verdad!”.

¿Un ejemplo? Para muchos super puristas, John Lydon, conocido también como Johnny Rotten, no fue más que una marioneta de Malcom McLaren, su manager en los Sex Pistols. Lydon además no cantaba, sólo aullaba o berreaba. Este individuo creó luego otra banda, Public Image Limited, en la cual siguió aullando. Lo interesante de esta banda, como ya sabemos, es que ayudó a fijar la línea anti “rockismo“, una de las estéticas más influyentes del rock en los últimos 30 años, que en manos de este tipito y sus compañeros de banda, mezclaría dub, disco y electrónica básica junto a la furia punk, delineando incontables bandas y discos que replicarían su sonido y su visión de la música.

Bueno, el problema es que muchos cantantes de reality tienen mejor voz que Lydon; incluso muchos cantantes en academias, conservatorios, etc. Pero el arte no es sólo una técnica y nada más. Las ideas detrás son muy importantes, aunque no son lo único, claro. Ese aporte conceptual de Lydon y sus contemporáneos post-punks fue más importante que su ineptitud vocal, creo yo -no importa que después lo traicionara haciendo discos con solos de Steve Vai-. Si se trata de técnica, que traigan a los metaleros y a los prog rockers de circo, entonces, con sus solos de media hora con los ojos vendados o colgados de los pies, a ver qué hay detrás de esas curiosidades onanistas, autoreferentes, vacías.

El problema es que muchas reseñas de nuestra prensa celebran este tipo de posturas fabulosas. El paradigma Rockista parece que se quedó para siempre. ¿En qué otro lugar del planeta se puede celebrar que hagan un concierto de Toto, por ejemplo? Para este paradigma el rock consiste en los Beatles, los Rolling Stones, Led Zeppelin, Pink Floyd y sus clones; nada bueno ha pasado desde el 76. Si alguien baila, rapea o brinca no entra. Si no hace un solo con su instrumento es un inepto. En los últimos treinta años han aparecido incontables estéticas en la música popular, pero no se leen en ningún lado desde este punto de vista. No veo reseñas que se apoyen en otras posturas estéticas y bueno, los lectores tampoco suelen pedirlas. Tampoco se trata de voltear el fundamentalismo rockista  y cambiarlo por la prohibición del cánon.

Nuestro a veces tan parco rock colombiano tiene entre sus mejores exponentes a bandas que sí crearon un concepto estético de fondo alrededor de su imagen, sus letras, sus presentaciones, y claro, su música, que no se ceñía a los parámetros de la estética rockista top 40: Ultrágeno -sí, los ex-resucitados- y 1280 almas, por ejemplo. Los dos compactaron su música con ideas bien definidas, coherentes, hasta con slogans que las cristalizaban. Por eso, salir de un concierto de esta gente era una verdadera experiencia.

Trataré de seguir escribiendo sobre el tema, aprovechando los aportes de los numerosos lectores.

Diddley

Se murió Bo Diddley. Sí, otro obituario en este intermitente blog, sólo que en este caso el viejo Bo era de mis preferidos.

Diddley no sólo me gustaba, sino que fue un excelente músico, uno de los pilares venerables del rock. ¿Quién se puede dar el lujo de sacar en un solo sencillo dos canciones como “Bo Diddley” y “I’m a man“? Si el vetusto sistema de copyright pagara regalías por la creación de ritmos, este señor se habría tapado en plata, pero no fue ese el caso. Luego de popularizar su copiadísimo y ultra influyente “Bo Diddley Beat”, desde Buddy Holly hasta The Clash lo adoptaron a sus canciones. De todos modos este ritmo entre caribeño y africano no se lo inventó Diddley, pero sí lo introdujo él a la música popular.

Comencemos con lo mejor. En “Bo Diddley” no sólo introduce ese ritmo primitivo y pegajoso, que transporta al oyente a un ambiente selvático, reforzado por el sonido caribeño de las maracas, sino que, basándose en una tradicional canción de cuna, pone en la mezcla un guitarra con un tremolo futurista, en un conjunto que reproduce el ruido de los trenes en la lejanía. El rock n’ roll encapsulado en una canción ya en 1955:

Otra versión del ritmo en “Hey Bo Diddley” en 1966 ( preste atención a la hermosa guitarrista, “The Duchess“, en ambos videos. Se trata de la hermanastra de Bo):

En un pasquín neoyorquino decidieron enumerar las canciones que adoptaron el Diddley beat. Aquí les dejo algunos ejemplos:

“Not fade away” de los Rolling Stones, haciendo un cover de Buddy Holly en 1964, con Mick en las maracas -un aporte para algún salsero-:

“I Want Candy” de los Strangeloves. La cuota Nugget proto punkera, en 1965:

(este de los Electric Prunes es otro aporte de esa línea

En este salen en vivo, con un sonido pésimo)

“1969″ de los Stooges, en una versión de 2004:

“Panic in Detroit” de David Bowie, en 1973. No podía faltar este señor experto en reciclajes, metiéndole salsa, paranoia urbana y Ché Guevara al ritmo Diddley:

“Hateful”, de The Clash, en 1979. Para el “London Calling”, Clash adapta el tumbao de su compañero de gira en ese año. También harían por ese entonces un cover de “Mona”:

(Este vale como video. Al menos así se acuerdan de la canción)

“Call of The Wighat” de The Cramps, de 1982. Psychobilly con toque Diddley:

“How Soon is Now”, de The Smiths, en 1983. Un adorador de la iconografía gringa de los 50 como Mozzer, no iba a dejar de implementar el beat en sus canciones, ni la guitarra con tremolo, llevada aquí al tope por Marr:

La ñapa no podía ser otra: Los New York Dolls cantando “Pills”, esa especie de calipso decadente de Diddley en el que una “Rock n’ Roll nurse” le da las pepas que necesita, ya en 1961:

Oportunismo sin fronteras

Creo que los cinco o seis lectores de este blog no le dieron mucha importancia al concierto que organizó Juanes -sí, el encargado de hacer la banda sonora del gobierno Uribe, nuestro remedo de Bono- luego de esa crisis diplomática de telenovela. En caso contrario, aquí está un buen artículo sobre música y activismo, escrito por Diego Manrique, un veterano periodista musical para “El país”:

Resulta enternecedora esa esperanza de que nuestros cantantes nos proporcionen pistas para resolver los grandes problemas del presente. No hay seres más despistados e ignorantes de la realidad que los triunfadores. De principio, se aíslan del resto de los humanos: se relacionan entre ellos mismos y, para el día a día, prefieren rodearse de lacayos. Su visión del mundo es tremendamente limitada: a veces, leen un periódico; generalmente, reciben sus noticias masticadas, vía televisión o Internet. En un altísimo porcentaje, ni siguen el devenir de la música en la que se desenvuelven. Tienden al egocentrismo y rechazan asimilar información que no apoye sus ideas preconcebidas. Y sin embargo, confiamos en que ellos aporten soluciones a cuestiones ajenas a su oficio

Una cosa es querer cambiar las cosas con música y letras realmente inspiradoras, y otra ese flojo proselitismo.

Comeback / Break-up

Luego de un alargado y forzoso hiato volvemos al ruedo. El tema no podía ser más trillado, ni más deprimente: la banda sonora para terminar una relación, ya sea antes, después o durante el proceso de despedida. Alisten su caja de kleenex.

“Single”- Everything But the Girl

Una cruda descripción de lo que serían los primeros días luego del fin, enfatizando en la duda y la incertidumbre ¿En qué he cambiado ahora? ¿En qué estará pensando la otra persona?

I’ll put my suitcase here for now
I’ll turn the TV to the bed
But if no one calls and I don’t speak all day
Do I disappear
Look at me without you
I’m quite proud of myself
I feel reckless, clumsy
And like I’m making a mistake
A really big mistake
And do you like being single
Do you want me back

“Sorry Seems To Be The Hardest Word”- Elton John

De la época en que el dúo Taupin- John realmente escribía buenas canciones, llega este directo a la mandíbula. Aquí pedir perdón no es sólo lo más difícil, de hecho parece que ya no va a servir para nada.

What have I got to do to make you love me
What have I got to do to make you care
What do I do when lightning strikes me
And I wake to find that you’re not thereWhat do I do to make you want me
What have I got to do to be heard
What do I say when it’s all over
And sorry seems to be the hardest word

“Love Will Tear Us Apart”- Joy Division

Cobain tenía razón. Es difícil encontrar otra canción más honesta que esta. Claro, esta es LA canción perfecta sobre diagnósticos post-relación. Rutina, rencor, estancamiento, rechazo, sintetizados magistralmente. La campeona del género “dancing with tears in my eyes”.

When the routine bites hard
And ambitions are low
And the resentment rides high
But emotions wont grow
And were changing our ways,
Taking different roads
Then love, love will tear us apart againWhy is the bedroom so cold
Turned away on your side?
Is my timing that flawed,
Our respect run so dry?
Yet there’s still this appeal
That we’ve kept through our lives
Love, love will tear us apart again

“For No One” - The Beatles

McCartney no podía faltar aquí con una de sus obras maestras. El paralelo entre estos dos personajes y sus diferentes visiones sobre el final de su historia llega a ser devastador. Un micro-cuento de desamor en el que no sobra nada.

Your day breaks, your mind aches
You find that all her words of kindness linger on
When she no longer needs you
She wakes up, she makes up
She takes her time and doesn’t
feel she has to hurry
She no longer needs you
And in her eyes you see nothing
No sign of love behind the tears
Cried for no one
A love that should have lasted years
You want her, you need her
And yet you don’t believe her when
she says her love is dead
You think she needs you

“You Can Go Your Own Way” – Fleetwood Mac

O la despedida en vivo y en directo de Lindsey Buckingham a Stevie Nicks. Sentimientos contradictorios y reproches abiertos en el adiós.

Loving you
Isn’t the right thing to do
How can I ever change things
That I feelIf I could
Maybe I’d give you my world
How can I
When you wont take it from meTell me why
Everything turned around
Packing up
Shacking up is all you wanna do

“I Will Survive” – Cake

La mejor version de este himno post-echada. Nada de auto-conmiseración, lo mejor está por venir –o al menos debemos tratar de convencernos de eso-.

At first I was afraid
I was petrified
I kept thinking
I could never live without you by my side
But then I spent so many nights
Just thinking how you’d done me wrong
And I grew strong
I learned how to get along

“Don’t Think Twice, It’s All Right” – Bob Dylan

¿Cuantas canciones de despedida tiene Dylan en su repertorio? Esta en particular es probablemente la más cruda. No hacen falta preguntas, ni dudas o lloriqueos; llegó la hora de la despedida y punto, no hay más tiempo que perder.

Still I wish there was somethin’ you would do or say
To try and make me change my mind and stay
We never did too much talkin’ anyway
So don’t think twice, it’s all rightI’m walkin’ down that long, lonesome road, babe
Where I’m bound, I can’t tell
But goodbye’s too good a word, gal
So I’ll just say fare thee well
I ain’t sayin’ you treated me unkind
You could have done better but I don’t mind
You just kinda wasted my precious time
But don’t think twice, it’s all right

“The Winner Takes It All” – ABBA

Otra despedida en directo, esta vez entre Agnetha Fältskog y Björn Ulvaeus, con una letra entre estoica y miserable. Perfecta para encerrarse en el cuarto y dar rienda suelta a pataletas lacrimógenas.

I was in your arms
Thinking I belonged there
I figured it made sense
Building me a fence
Building me a home
Thinking I’d be strong there
But I was a fool
Playing by the rulesBut tell me does she kiss
Like I used to kiss you?
Does it feel the same
When she calls your name?
Somewhere deep inside
You must know I miss you
But what can I say
Rules must be obeyed

“Crimen” Gustavo Cerati.

Cerati hila aquí con una buena metáfora el problema de los fracasos pasados y su relación con las despedidas presentes, incluyendo temas que no son relevantes sólo para los porteños, como asumir que se perdió y las consecuencias que eso tendrá para nuestro ego.

La espera me agotó
No sé nada de vos
Dejaste tanto en mí.
En llamas me acosté
En un lento degradé
Supe que te perdí.¿Qué otra cosa puedo hacer?
Si no olvido, moriré
Y otro crimen quedará
Otro crimen quedará
sin resolver.Una rápida traición
Salimos del amor
Tal vez me lo busqué.Mi ego va a estallar
Ahí donde no estás
oh…los celos otra vez.

Ahora sé lo que es perder

“Guess I’m doing fine”, Beck

Todo el Sea Change puede considerarse como un disco de despecho, pero creo que la canción que se lleva las palmas es ésta. Estoy de acuerdo con el video: no hay nada mejor que jugar fútbol cuando uno está en medio de la depresión post-break up.

There`s a blue bird at my window
I can`t hear the songs he sings
All the jewels in heaven
They don`t look the same to meIt`s only lies that I`m living
It`s only tears that I`m crying
It`s only you that I`m losing
Guess I`m doing fine

“I Don’t Want to Get Over You”, Magnetic Fields

No podian faltar Mr. Merrit y sus amigos. Perfecto para quienes desean alargar la melancolía de la despedida un poco más, negándose a dejar atrás a su ex.

I don’t want to get over you.
I guess I could take a sleeping pill and sleep at will
And not have to go through what I go through.
I guess I should take Prozac, right,
And just smile all night at somebody new,
Somebody not too bright but sweet
And kind who would try to get you off my mind.
I could leave this agony behind which is just what I’d do if I wanted to,
But I don’t want to get over you cause
I don’t want to get over love.
I could listen to my therapist, pretend you don’t exist
And not have to dream of what I dream of;I could listen to all my friends and go out again and pretend it’s enough,
Or I could make a career of being blue
I could dress in black and read Camus,
Smoke clove cigarettes and drink vermouth like I was 17 that would be a scream
But I don’t want to get over you.

“Segundo premio”, Los Planetas

Especialistas en despedidas crudas –véase “Pesadilla en el parque de atracciones”-, en este caso los españoles sónicos dejan colar un poco de esperanza entre el rencor y la mala leche.

Mirando las paredes de este cuarto,
rezando por que vengas otra vez ,
y todo lo que habíamos hablado
es todo lo que vamos a perder.

Si nunca quise ser el único a tu lado,
si tuve miedo fue por que acabara así,
y todo el tiempo que he desperdiciado
se vuelve de nuevo contra mí.

Y si esto te hace daño,
si te puedo hacer sufrir,
ha servido para algo
al menos para mí.

Espero propuestas, no importa el género.

Discos memorables del 2007

Bueno, parece que a la gente todavía le interesa el formato álbum, a pesar de la mp3ización de esta experiencia tan interesante que es oir música en el 2007, que supuestamente nos pone de vuelta en la época pre-Beatles, cuando el formato single reinaba por doquier.

La verdad es poco lo que oímos Mr. Braulio y yo en cuestión de novedades, así que lo que oímos de este año proviene de las densas redes de recomendaciones que hay en la blogósfera, de Lastfm y un par de emisoras por ahí -además de la omnipresente Pitchfork-. Generalmente desconfiamos del sindrome hype, esas bandas que comienzan siendo lo mejor desde que se inventó el pan tajado y luego acaban siendo la banda sonora de alguna serie mediocre de tv.

Aquí están los discos de este año que a nuestro juicio valen la pena, teniendo en cuenta cualquier patrón de juicio que no sea solamente “buena voz”, virtuosismo circense en la interpretación de los instrumentos, y toda esa reverencia al canon rockista, tan popular en mi tierra querida.

“Boxer”, de The National. Me hicieron olvidar a Interpol. Igual de oscuros pero mucho más recursivos, evitan quedarse en la repetición del libreto post-punk e involucran elementos del big south gringo sin problema. Las letra, además, son muy inteligentes en medio de su dramatismo.

The Good The Bad and The Queen (ST). Una excelente muestra de la multiplicidad cultural londinense, dirigido por don Damon Albarn; bien podría empezar a discutirse en las introducciones de los cursos de estudios postcoloniales, por ñoño que suene.

“Drums and Guns” de Low. Atmósferas lángidas y penosas con un propósito. Me acuerdo cuando Liz Frazer dijo -en su Lolapalooza- que Cocteau Twins era igual que Rancid, sólo que más lento. En este disco Low sigue esta línea de nuevo, pero en el contexto de la guerra en Iraq. Su tono glacial aveces cede a la ironía: “Let´s bury the hatchet – like the Beatles and the Stones”

“The Reminder” de Feist. Me gusta pensar este disco como la banda sonora de las bloggers intimistas pero lejanas de lo patético. Realmente va a ser difícil quitarse “I Feel it all” de la cabeza por un buen tiempo.

“Grinderman”. O los Bad Seeds cuando a Nick Cave le da por tocar guitarra y los manda de nuevo a la edad de piedra más básica, sin adornos de ningún tipo. Más detalles aquí.

“23″ de Blonde Redhead. Una encantadora mezcla de dreampop y electrónica minimalista sirve como respaldo de atardeceres de domingo á la Morrisey. Creo que este es mi preferido del año. Vale la pena ver el video de la cinematográfica “23″:

“In Rainbows” de Radiohead. Creo que este era el disco que quería oir después del Ok Computer. Se demoró 10 años, pero llegó. Premio a la mejor campaña de mercadeo del año.

“Person Pitch” de Panda Bear. Descubierto gracias a Mr. Osorio. Mi segundo preferido, sólo porque lo he oido menos tiempo. Los Beach Boys y las Ronnettes pasados por la consola de este individuo suenan contemporáneos y gloriosos.

“Andorra” de Caribou. Pop electrónico depurado con recursos retro que hace ver al primer disco de Air como un montón de jingles baratos.

“Orden público alterado” de Hora local y “El maravilloso mundo de Ingesón” de Los speakers

La re-edición de estos dos discos permite delinear la historia del rock colombiano sin necesidad de chauvinismos baratos, esa empresa a la que tanta desidia le tienen la mayoría de los periodistas del medio. Ya hay para dónde mirar atrás y encontrar inspiración y aliento para rato.

Extra

Hissing Fauna Are You the destroyer? de Of Montreal, o la terapia catártica de Kevin Barnes. Junto con “Person Pitch”, un buen ejemplo de que el intimismo y la confesión no tienen por qué pasar por el manido recurso de la guitarra de chimenea.

Untrue de Burial. Otro producto de la Inglaterra post-colonial, mezcla de Dub, Techno ambiental y algunas oscuridades maravillosas de comienzos de los 80. A pesar de sus ocasionales destellos luminosos, el spleen urbano domina el sonido de este tataranieto de Complete Control de The Clash -sí, la producida por el genio del dub Lee “Scratch” Perry- y del dub post-punkeado de PIL. Más al respecto aquí-

Ciao, Karlheinz

Sí. Karlheinz Stockhausen se murió.

El rock le debe bastante a este señor. Bandas como Can -Irmin Schmidt y Holger Czukay estudiaron con él- Kraftwerk -Stockhausen es uno de los padres de la electrónica- y The Beatles recibieron su influencia, así como Brian Eno, David Bowie y Frank Zappa, haciendo maravillosamente difusa, en el proceso, la diferencia entre música culta y popular. De hecho creo que Stockhausen es el compositor de música culta más nombrado en el mundo sucio y vil de la música popular, junto con Edgar Varese, Philip Glass y John Cage.

Compositores como estos llevaron a la música a territorios antes inexplorados, evitando las vías habituales de composición. Este tipo de músico es el que lo lleva a uno a preguntarse “¿Qué es la música en últimas?” Nada de bodegones musicales. Nada de cánones de coro de colegio.

Aquí está un documental-entrevista con Stockhausen, quien era un tipo muy sencillo, como podrán ver:

Y esta clase en Oxford hacia 1972 , en donde describe lo que era ya y sería luego el mundo de los samplers y los sintetizadores :

Posdata:

Miren esta perla.

Make Poverty (stay forever in) History

Live 8 fue una oportunidad sin igual para vender la idea de que el rock podía servir para asuntos políticamente correctos, pero todo parece indicar que no fue nada más que otra manifestación del paternalismo típico de los países (post) industrializados: “nosotros te enseñamos a hacer lo que tu necesitas, lo que obviamente no tienes idea de cómo hacer y tu condición cultural te impedirá hacer en el futuro”.

Recuerdo que alguien me dijo por ese entonces que le parecía increíble que todos estos empresarios tan liberales y amorosos no alentaran iniciativas provenientes de los países a los que iban a ayudar, ni les invitaban a participar de las decisiones que los afectarían. Pues el director de African Aid Action, Jobs Selasie, le dió la razón. Con cifras en mano afirmó que este tipo de obras de caridad sirven para incrementar la corrupción y la dependencia de los países africanos. Desde la campaña original de Live Aid, el número de africanos que dependen de ayudas y donaciones se ha incrementado en un 500%, mientras que los gobiernos africanos dependen ahora en un 70% de los aportes internacionales, cuando por ese entonces sólo lo hacían en un 20%.

Ese es el resultado del idealismo vacío de Bono y Geldof. Es lo mismo que regalar mercaditos en un cinturón de miseria pensando que con eso se va a acabar la pobreza. El típico razonamiento de las hermanitas de la caridad. Evitemos atacar el problema estructural, de fondo, y quedémonos en lo superficial, de manera que siempre habrán razones para que nos feliciten, porque el problema real no se va a acabar. No hay nada mejor que despojar a la gente de sus responsabilidades, de su autonomía, precisamente porque ser autónomo es realmente incómodo, difícil. Siempre será más fácil optar por tener una figura paternal que nos impida pensar y actuar por nuestra cuenta.

Según Selasie:

“Aid has failed because campaigners, charities and governments do not have the right plan and excluded African entrepreneurs and grassroots organisations from being part of the solution… You can’t impose change from without. It has to come from within and we won’t end poverty with handouts. Africans need to fight corruption and work hard.”

Unas preguntas sueltas para redondear ¿Cuántas bandas africanas tocaron en estos conciertos?¿Cómo influenciaron los conciertos a las ventas de los artistas participantes? ¿Cómo será la versión latinoamericana, con Shakira a la cabeza?

Apueste: ¿Cómo sonaría Soda stereo en su nuevo disco?

Soda me ha servido de banda sonora en muchos momentos de mi agitada vida, muchas veces del mismo modo que la música estilizada que ponen en las empresas -el Muzak de Melodía estéreo en Bogotá, sí-, otras como fondo deliberado de celebraciones, y otras más pocas como objeto de interesantes viajes sonoros -mejor dicho, cada que pongo el Dynamo-. Hubiera disfrutado cantidades ir a algún concierto de la nueva gira. Los estimo, en pocas palabras, pero algunas veces tengo mis reservas respecto a su calidad y sobre todo su originalidad. Y es que uno debe ser consciente, como ud. ya sabe querido lector, de cuándo algo le gusta y cuándo algo es bueno -La saga de Star Wars, por ejemplo, siempre estará en mi corazón, pero las películas, excepto trozos del episodio IV y el V, son un bodrio-. De otra manera puede caer uno en las tontas paradojas en las que ciertos periodistas culturales son especialistas.

Respecto a la originalidad, en todas las expresiones creativas es normal el plagio, el robo descarado, pero sólo se premia cuando lo robado es mejorado. Cerati y sus socios son especialistas en esto. Hasta los creadores de cadenas por e-mail se han percatado de esto, y no hace mucho mandaban esta lista:

Finalmente, luego de una exhaustiva investigación, aquí está la primera parte de los 40 choreos mas increíbles de Cerati a lo largo de su carrera. El orden es aleatorio. Si alguna vez tuviste que padecer discusiones con fanaticos de Cerati, ahora ya tenes las pruebas; si en cambio, sos admirador de Gustavo, ya tenes proxima lista de compras. Y todos contentos! Tema: Un Misil en mi placard (Unplugged) Tema: Chrome Waves (Ride) Tema: Teleka (soda Stereo) Tema: Helicopters (XTC) Tema: Ameba (Dynamo) Tema: Mass production (Iggy Pop) Tema: No necesito verte (Rex Mix) Tema: Come Together (Primal Scream) Tema: Mundo de quimeras (Languis) Tema: Guantanamera (Pete Seger) Tema: Puente (Bocanada) Tema: 4:35 in the morning (kid loco mix) Tema: Perdonar es divino (Bocanada) Tema: Explore (Porter Ricks) Tema: Raiz (Bocanada) Tema: Hyperactive (Thomas Dolby) Tema: Texturas (Dynamo)-intro bajo- Tema: Pretty Vaccant (Sex Pistols) Tema: Primavera 0 (Dynamo) Tema: The light that will cease… (stereolab) Tapa: Bocanada Tapa: The best of Bob Dylan vol. 1 Tema: Toma la ruta (dynamo) Tema: Cualquiera de Doppelganger (Curve) Tema: Raiz (Bocanada) Tema: Poor skeleton steps out (XTC) Tema: Tu medicina (Cerati-Melero) Tema: Extra ordinary (Ultra Vivid Scene) Tema: Angel eléctrico (Sueño stereo) Tema: When she dance ( Neil Young)

Creo que en la mayoría de estos casos el problema se reduce a seguir un estilo más que copiar deliberadamente. En otros son sólo samplers, como en Ameba. A Los planetas, la banda española, le pasa algo parecido. Hasta en Soulseek se pueden encontrar selecciones que muestran las canciones que supuestamente copian, comparadas con sus nuevas versiones. Lo mejor es que estos casos abundan, y desde siempre. Los primeros punks, por ejemplo, plagiaron deliberadamente a los Stooges y a los MC5, entre otros, y nadie llamó a los abogados…

La cosa es, entonces: supongamos que Soda stereo aprovecha esta ola de popularidad y saca un nuevo disco. ¿A quiénes copiaría? O en términos más políticamente correctos, ¿Quiénes serían sus inspiradores?

Aquí les dejo un ejemplo:

I got it

En vista de que no pude ir a ver a los Bunkers en Rock al parque, y además me perdí de la granizada apocalíptica, tuve que conseguirme un evento que lo compensara. Y como dicen los futbolistas, las cosas se dieron.

No he visto todavía las descargas de Neil Young, ni las de los gloriosos Sonic Youth, pero ya pude sentir una descarga de Yo la Tengo: Bajo, Guitarra, batería y Farfisa convertidos en aplanadoras sónicas. Lo mejor es que también pueden ser reproductores de trips psicodélicos, encantadoras píldoras de pop playero y hasta doo wop. Y eso que ésta ha sido una presentación mediocre del grupo, según dicen los escépticos locales. Bueno, Ira Kaplan no es Pete Townshend, claro. Ira Kaplan es… Ira Kaplan. Es que por todas partes hay columnistas potenciales de rock de “El tiempo”.

¿Otra “second coming”?

Me acuerdo la primera vez que oí “To Here Knows When” en Astroradio, a finales del 92. Me la pasé buscando como cinco años música que se le pareciera -Dynamo, el disco que sacó una desconocida banda argentina en el 93 tenía pedacitos, por ejemplo-, y luego decidí esperar a que My Bloody Valentine lo hiciera, en vista de la ausencia de candidatos reales. Todo parece indicar que por fin se da el milagrito: la banda va a publicar el sucesor de su admirado Loveless, después de 16 años de espera. La historia que va desde las obsesivas sesiones de grabación de este súper disco hasta la noticia de hoy, es digna de una buena novela. El mismísimo Simon Reynolds resumió parte de esta historia en un artículo para Alternative Press en 1995, y en un libro sobre el Shoegazing, “Blissed Out“.

Kevin Shields y su banda estuvieron a punto de quebrar a Creation Records debido a los sobrecostos en la grabación del disco, cuya grabación duró tres años e involucró 18 ingenieros en el proceso. McGee, el dueño de Creation, que también estaba produciendo por ese entonces joyas como Bandwagonesque de Teenage FanClub y Screamadelica de Primal Scream, no se aguantó más los conflictos con la banda y los echó. Firmaron luego con Island Records, y con el avance que les dieron se embarcaron en la construcción de su propio estudio, a pesar de que acababan de terminar un tour de 10 meses. El arranque de workaholismo se vería interrumpido por serios problemas técnicos en la consola del estudio, de manera que sólo hasta mayo de 1994 pudieron trabajar en él de nuevo. Para entonces ya había pasado el ímpetu creativo, y aunque Island y Sire -su disquera en E.U.- fueron muy comprensivas, el compromiso financiero con las disqueras ya aparecía como un factor de presión.

En la navidad de 1994 La banda estaba en la bancarrota -no sólo en lo creativo-, tan es así que tuvieron que irse a vivir a su casa estudio al sur de Londres y empezaron a vender sus equipos. Shields no aguantó la situación y entro en crisis. Su propósito era hacer un disco tan impactante como el Loveless, pero que lo distanciara de sus seguidores shoegazers, creando de nuevo melodías hipercomplicadas, sin facilismos. Por otro lado, la banda estaba muy involucrada con la onda Jungle tan en boga por ese entonces en la rumba de la City, lo cual no era nada raro, dada la influencia previa del acid house en sus discos. ¿Cómo fusionar ambas tendencias en medio de ese desierto creativo? Programar las secuencias tomaba mucho tiempo, así que, luego de otro adelanto financiero de Sire y Island, la banda consiguió a Alex Buess, un músico con experiencia en la elaboración de ritmos programados. Los chismes de la época afirmaban que MBV estaba intentando mezclar las guitarras trash metal de sepultura con los ritmos Jungle y Drum and Bass. Víctima de su propio perfeccionismo, finalmente Shields no publicó nada. Colm O’Ciosoig, el baterista, y la bajista, Debbie Googe, se fueron; Googe acabó trabajando como taxista en 1995 a consecuencia del vacío financiero. Island dejó de darle avances a los que quedaron, Shields y Butcher, en 1997, pero no terminaría su contrato hasta 2001. Lo único que publicó la banda en todo este tiempo fue un cover de Wire.
Señalado por muchos como un nuevo Brian Wilson -el nuevo disco podría ser su Smile-, otras veces como un nuevo Syd Barret por sus supuestos problemas mentales, Shields colaboró en todo este largo tiempo con Yo La Tengo, Placebo, e incluso como mezclador con Primal Scream, entre otros.

Lo interesante del nuevo disco que MBV sacaría este año es que va a ser un revuelto del material de esas sesiones de grabación de mediados de los 90 junto con material nuevo. Vamos a poder ver el producto de todo ese novelesco conflicto creativo en una de las bandas más alabadas en estos 15 años. Shields dijo, según The Daily Swarm:

“We were making a record in the ’90s around when the band broke up in 1995…and I continued with Belinda [Butcher]. We kinda made most of an album… It’s going to be this 96/97 record half-finished, and then a compilation of stuff we did before that in 1993-94, and a little bit of new stuff.”

He added: “I pretty much know what the one that’s going to come out this year is going to sound like because its already pretty much three-quarters done already… it sounds like what we sounded like – different, but not radically different. People will go, “yeah, it sounds like My Bloody Valentine.”

Ahora a esperar.

Aquí va una entrevista del 90, en la época del Isn´t Anything.

Y un video de MBV en vivo -¿cómo eran capaces de reproducir ese sonido en directo?-:

“I don´t Believe in an Interventionist God…”

 

Finalmente le dieron un premio gordo a Nick Cave. Como si lo necesitara. En fin, el caso es que lo admitieron en el Salón de la fama de la Australian Record Industry Association el mes pasado, y en la ceremonia, en vez de solamente quejarse porque no admitieron a sus compañeros de los Bad Seeds y de The Birthday Party, él mismo se encargó de darles su entrada al Salón ahí mismo. Aquí está el video. Cuando uno no cree en dioses intervencionistas puede hacer cosas como esa, en vez de esperar mesías salvadores, milagros y ese tipo de bobadas.

El pedacito de “Into my Arms” en la fanfarria multimedia me mató. Qué canción:

I don’t believe in an interventionist God
But I know, darling, that you do
But if I did I would kneel down and ask Him
Not to intervene when it came to you
Not to touch a hair on your head
To leave you as you are
And if He felt He had to direct you
Then direct you into my arms

Después de esto y Grinderman, a esperar el nuevo disco de los Bad Seeds, “Dig Lazarus Dig!”que debe salir en marzo.

Adioses tardíos

El mes pasado se nos fueron dos personajes a los que la música actual (de hace unos treinta añitos para acá) les debe bastante: Lee Hazlwood y Tony Wilson.

Hazlwood estuvo involucrado en la definición de algunos sonidos cruciales para el rock, como la guitarra twang de Duane Eddy y el pop dulce y vanguardista, de letras enigmáticas, de Nancy Sinatra. Bandas como Sonic Youth y Primal Screaestán entre los influenciados por su trabajo.

Tony Wilson fue arquitecto y propulsor del sonido Manchester desde su sello Factory. A su ingenio y terquedad le debemos la difusión de Joy Division, New Order y Happy Mondays entre otras bandas imprescindibles, como puede verse en “24 hour…”, un retrato hilarante de su gestión como anti-empresario de disquera independiente. Sin el barcito ese con nombre en español que abrió en su amada ciudad del norte, la movida techno sería muy distinta.

Aquí van unos videos que servirán de homenaje tardío.

De Hazlwood una entrevista del 2006, que originalmente iba a aparecer en un documental biográfico sobre él:

Una de sus mejores canciones con la Sinatra, “One Velvet Morning”, una nouvelle psicodélica sobre mitología, redención y amor retorcido:

Y otra entrevista con Duane Eddy sobre su trabajo en estudio, y la creación de su twang surfero:

De Tony Wilson, apartes de un documental, donde algunos afectados hablan de su programa en Granada TV:

y una extraña entrevista a Sonic Youth:

Para terminar, les recomiendo este homenaje que le hace el mismísimo Paul Morley, otro mancuniano insigne, a Wilson.

Pd: pronto vuelve Braulio al blog. Espero que no haya escrito mucho sobre música y afiladores.

1977 o el año del Camaleón

Durante un tiempo pensé que el mejor período para vivir y disfrutar la música sería el 65-69, en San Francisco. Cuando crecí, me dí cuenta que el año en que todo cambió para siempre fue el 77. En ese año, como sabemos, se dio un pequeño big bang que demarcaría los derroteros del rock hasta hoy, en un espacio muy difuso en el que concurrían eventos desarrollados en Düseldorf, Kingston, Londres, Nueva York y Berlín, todos enlazados entre ellos de una manera especial. Si bien estos eventos venían desarrollándose de tiempo atrás, fue en este año en el que todo se hizo más evidente, más denso, veloz y delirante, gracias a esa simultaneidad. En pocas oportunidades se ven entronques culturales que evidencian tan claramente las características de la modernidad.

El krautrock de Düseldorf y Berlín, el reggae y el Dub de Kingston, el punk y el New Wave de Londres y New York confluyeron de manera desordenada y caótica en los trabajos musicales clave de este año, pero especialmente en cuatro, en los que tuvo un rol protagónico un individuo bastante peculiar, creador y detector de tendencias nuevas como pocos: David Bowie. Si Bob Dylan fue el vórtice cultural en el 65, situándose en un punto en el que todo lo que pasaba tenía que ver con su trabajo y su influencia (G. Marcus dixit), Bowie fue el vórtice en el 77. Había sido el precursor de Johny Rotten y los punks en sus años como Ziggy Stardust, había apadrinado a quienes habían sido alguna vez sus mayores influencias -Lou Reed, Iggy Pop- y ahora publicaba dos de los mejores álbums de ese año, Low (enero) y “Heroes” (octubre), y coproducía otras dos joyas publicadas ese año, de la mano con su parcero Iggy Pop: The Idiot y Lust for Life. Prácticamente este fue el año Bowie, el año del camaleón.

En los discos de Iggy, Bowie ensayaría como en un laboratorio lo que haría después con B. Eno, T. Visconti y R. Fripp, especialmente en The Idiot. El proceso de creación de Low y “Heroes”, que comenzaría siendo un proyecto de Krautrock que Bowie deseaba fuese dirigido por Connie Plank, el productor insignia del “género”, terminaría siendo una particular concentración de las tendencias y músicas señaladas. Los tres cerebros a cargo del proyecto terminarían haciendo una poderosa respuesta a la revolución punk, algo que prácticamente nadie logró hacer por ese entonces.

Para un recuento detallado de este año memorable en la vida del delgado duque blanco recomiendo este sitio.

Luego escribiré más sobre estos discos, de esos que como dicen Mozzer y Lou Reed, le pueden salvar a uno la vida. Ahora tengo que ir al afilador.

When the Music’s Over, o las muertes del rock 1

En este 2007 se cumplen variadas efemérides referentes a hitos de la vida de la música popular, particularmente esa que los humanos denominan rock. El verano del amor, el tsunami punk + new wave, el inicio de Madchester, por un lado, y por otro, aniversarios redondos de la publicación de algunos álbumes memorables, como la dupleta Low – “Heroes” de Bowie -sobre la cual espero escribir pronto-, el Ok Computer de Radiohead, los primeros discos de The Doors, The Velvet Underground, Pink Floyd, The Clash, The Sex Pistols, Portishead y Pixies; también joyas que sirven como ejemplo de madurez musical de algunas bandas como el Strangeways, Here We Come de The Smiths, The Boatman’s Call de Nick Cave and the Bad Seeds y I Can Hear the Heart Beating as One, de Yo La Tengo, entre otros muchos. Realmente vale la pena apostarle al 7 en el chance del rock. Lo interesante es que los dos últimos años acabados en 7 sí los vivió mucha gente como uno, vivió de verdad la cosa así fuera de lejos, geográficamente hablando. Era más fácil. Uno se acuerda de la primera vez que oyó “Paranoid Android” en la radio, o “Behind the Wheel”, y de lo que pedía el ambiente, mientras que quienes estaban atentos en el 67 o el 77 difícilmente sabrían de la movida global. Hace 10 años la ola alternativa estaba agonizando, también acá en nuestro D.C. Salvo “Las moscas”, los bares roqueros no ponían nada de rock reciente interesante, y en cambio pululaban los bares techno. De pronto pasamos de la estética espartana roquera a los excesos neosicodélicos electrónicos. Desde entonces escucho gente pedir con fervor que los DJ’s pongan tandas de rock rumbero de calidad. Lo peor es que muchos de los que tres o cuatro años habían sido fervorosos alternos (grungeros, góticos, semi punks, etc.) de repente se convirtieron al credo electrónico sin parpadear. Renegaban hasta de su colección de discos y la vendían para conseguir las ruedas con las que viajarían en esta nueva rumba. El problema era que uno les preguntaba por Detroit o la Haçienda y no tenían ni idea de nada.

Lo mejor de todo esto fue cuando se extendió la idea de que la electrónica había llegado para quedarse, desbancando al rock, ya muribundo. Otros géneros como el hip hop y el viejo R&B también lo estaban opacando en ventas por primera vez desde los 60′ (dificil que no, si había cambiado el método de medición). U2 y R.E.M, entre otras bandas con el sol a sus espaldas, corrieron a sacar discos que incorporaban estos sonidos. Curiosamente, esto se daba al tiempo que la especulación financiera de las empresas dot com.

Al final sólo quedó lo de siempre: pocos artistas muy buenos para recordar, algunos albums buenísimos y listo. La electrónica hace parte ahora de la inmensa paleta que tienen los músicos rock para meter a su olla podrida. Oigan otra vez a LCD Sound System y verán a qué me refiero.

Aun mejor que todo este proceso es que la ola electronica ya había venido una vez, y muy fuerte, causando pánico por todas partes: eran los tiempos del primer synthpop, cuando Depeche mode, Yazoo, Eurythmics y especialmente Human League se volvieron incómodamente populares para muchos. Vean este botón de muestra, respecto al impacto del Dare! en la cultura Pop del 81 – 82:

The rock establishment were horrified at the lack of conventional instruments and a bitter debate developed over fears that the new technology would banish guitars forever. In a move against synths, the Musician’s Union even began a campaign in the light of Dare called ‘Keep it Live’. They believed that the keyboards could compose melodies ‘at the touch of a button’ thus making session musicians redundant. Unfounded fears were also beginning to surface regarding the use of this technology during live concerts, but it was just the typical wave of hysteria that greets any advancement in technology.

Ni hablar del post rock y esos inventos de pseudo-académicos.