¿Oyendo mp3 en la buseta?

Tomado de un blog muy original sobre noticias de música caricaturizadas. Me identifico plenamente con la referencia a la desesperacion suicida cuando no está la canción deseada.

Resurrección

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Come back, Madchester, Stone Roses

Bueno, nunca es tarde para escribir otra vez en el blog, y no hay una mejor canción para hacerlo que esta:

Stone Roses en vivo, durante su mejor momento, en 1989.

Yo también soy la resurrección, claro.

Oportunismo sin fronteras

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Bono, Juanes, populismo, Uribe

Creo que los cinco o seis lectores de este blog no le dieron mucha importancia al concierto que organizó Juanes -sí, el encargado de hacer la banda sonora del gobierno Uribe, nuestro remedo de Bono- luego de esa crisis diplomática de telenovela. En caso contrario, aquí está un buen artículo sobre música y activismo, escrito por Diego Manrique, un veterano periodista musical para “El país”:

Resulta enternecedora esa esperanza de que nuestros cantantes nos proporcionen pistas para resolver los grandes problemas del presente. No hay seres más despistados e ignorantes de la realidad que los triunfadores. De principio, se aíslan del resto de los humanos: se relacionan entre ellos mismos y, para el día a día, prefieren rodearse de lacayos. Su visión del mundo es tremendamente limitada: a veces, leen un periódico; generalmente, reciben sus noticias masticadas, vía televisión o Internet. En un altísimo porcentaje, ni siguen el devenir de la música en la que se desenvuelven. Tienden al egocentrismo y rechazan asimilar información que no apoye sus ideas preconcebidas. Y sin embargo, confiamos en que ellos aporten soluciones a cuestiones ajenas a su oficio

Una cosa es querer cambiar las cosas con música y letras realmente inspiradoras, y otra ese flojo proselitismo.

Apueste: ¿Cómo sonaría Soda stereo en su nuevo disco?

Soda me ha servido de banda sonora en muchos momentos de mi agitada vida, muchas veces del mismo modo que la música estilizada que ponen en las empresas -el Muzak de Melodía estéreo en Bogotá, sí-, otras como fondo deliberado de celebraciones, y otras más pocas como objeto de interesantes viajes sonoros -mejor dicho, cada que pongo el Dynamo-. Hubiera disfrutado cantidades ir a algún concierto de la nueva gira. Los estimo, en pocas palabras, pero algunas veces tengo mis reservas respecto a su calidad y sobre todo su originalidad. Y es que uno debe ser consciente, como ud. ya sabe querido lector, de cuándo algo le gusta y cuándo algo es bueno -La saga de Star Wars, por ejemplo, siempre estará en mi corazón, pero las películas, excepto trozos del episodio IV y el V, son un bodrio-. De otra manera puede caer uno en las tontas paradojas en las que ciertos periodistas culturales son especialistas.

Respecto a la originalidad, en todas las expresiones creativas es normal el plagio, el robo descarado, pero sólo se premia cuando lo robado es mejorado. Cerati y sus socios son especialistas en esto. Hasta los creadores de cadenas por e-mail se han percatado de esto, y no hace mucho mandaban esta lista:

Finalmente, luego de una exhaustiva investigación, aquí está la primera parte de los 40 choreos mas increíbles de Cerati a lo largo de su carrera. El orden es aleatorio. Si alguna vez tuviste que padecer discusiones con fanaticos de Cerati, ahora ya tenes las pruebas; si en cambio, sos admirador de Gustavo, ya tenes proxima lista de compras. Y todos contentos! Tema: Un Misil en mi placard (Unplugged) Tema: Chrome Waves (Ride) Tema: Teleka (soda Stereo) Tema: Helicopters (XTC) Tema: Ameba (Dynamo) Tema: Mass production (Iggy Pop) Tema: No necesito verte (Rex Mix) Tema: Come Together (Primal Scream) Tema: Mundo de quimeras (Languis) Tema: Guantanamera (Pete Seger) Tema: Puente (Bocanada) Tema: 4:35 in the morning (kid loco mix) Tema: Perdonar es divino (Bocanada) Tema: Explore (Porter Ricks) Tema: Raiz (Bocanada) Tema: Hyperactive (Thomas Dolby) Tema: Texturas (Dynamo)-intro bajo- Tema: Pretty Vaccant (Sex Pistols) Tema: Primavera 0 (Dynamo) Tema: The light that will cease… (stereolab) Tapa: Bocanada Tapa: The best of Bob Dylan vol. 1 Tema: Toma la ruta (dynamo) Tema: Cualquiera de Doppelganger (Curve) Tema: Raiz (Bocanada) Tema: Poor skeleton steps out (XTC) Tema: Tu medicina (Cerati-Melero) Tema: Extra ordinary (Ultra Vivid Scene) Tema: Angel eléctrico (Sueño stereo) Tema: When she dance ( Neil Young)

Creo que en la mayoría de estos casos el problema se reduce a seguir un estilo más que copiar deliberadamente. En otros son sólo samplers, como en Ameba. A Los planetas, la banda española, le pasa algo parecido. Hasta en Soulseek se pueden encontrar selecciones que muestran las canciones que supuestamente copian, comparadas con sus nuevas versiones. Lo mejor es que estos casos abundan, y desde siempre. Los primeros punks, por ejemplo, plagiaron deliberadamente a los Stooges y a los MC5, entre otros, y nadie llamó a los abogados…

La cosa es, entonces: supongamos que Soda stereo aprovecha esta ola de popularidad y saca un nuevo disco. ¿A quiénes copiaría? O en términos más políticamente correctos, ¿Quiénes serían sus inspiradores?

Aquí les dejo un ejemplo:

¿Otra “second coming”?

Me acuerdo la primera vez que oí “To Here Knows When” en Astroradio, a finales del 92. Me la pasé buscando como cinco años música que se le pareciera -Dynamo, el disco que sacó una desconocida banda argentina en el 93 tenía pedacitos, por ejemplo-, y luego decidí esperar a que My Bloody Valentine lo hiciera, en vista de la ausencia de candidatos reales. Todo parece indicar que por fin se da el milagrito: la banda va a publicar el sucesor de su admirado Loveless, después de 16 años de espera. La historia que va desde las obsesivas sesiones de grabación de este súper disco hasta la noticia de hoy, es digna de una buena novela. El mismísimo Simon Reynolds resumió parte de esta historia en un artículo para Alternative Press en 1995, y en un libro en el que recopila sus artículos tempranos, “Blissed Out“.

Kevin Shields y su banda estuvieron a punto de quebrar a Creation Records debido a los sobrecostos en la grabación del disco, cuya grabación duró tres años e involucró 18 ingenieros en el proceso. McGee, el dueño de Creation, que también estaba produciendo por ese entonces joyas como Bandwagonesque de Teenage FanClub y Screamadelica de Primal Scream, no se aguantó más los conflictos con la banda y los echó. Firmaron luego con Island Records, y con el avance que les dieron se embarcaron en la construcción de su propio estudio, a pesar de que acababan de terminar un tour de 10 meses. El arranque de workaholismo se vería interrumpido por serios problemas técnicos en la consola del estudio, de manera que sólo hasta mayo de 1994 pudieron trabajar en él de nuevo. Para entonces ya había pasado el ímpetu creativo, y aunque Island y Sire -su disquera en E.U.- fueron muy comprensivas, el compromiso financiero con las disqueras ya aparecía como un factor de presión.

En la navidad de 1994 La banda estaba en la bancarrota -no sólo en lo creativo-, tan es así que tuvieron que irse a vivir a su casa estudio al sur de Londres y empezaron a vender sus equipos. Shields no aguantó la situación y entro en crisis. Su propósito era hacer un disco tan impactante como el Loveless, pero que lo distanciara de sus seguidores shoegazers, creando de nuevo melodías hipercomplicadas, sin facilismos. Por otro lado, la banda estaba muy involucrada con la onda Jungle tan en boga por ese entonces en la rumba de la City, lo cual no era nada raro, dada la influencia previa del acid house en sus discos. ¿Cómo fusionar ambas tendencias en medio de ese desierto creativo? Programar las secuencias tomaba mucho tiempo, así que, luego de otro adelanto financiero de Sire y Island, la banda consiguió a Alex Buess, un músico con experiencia en la elaboración de ritmos programados. Los chismes de la época afirmaban que MBV estaba intentando mezclar las guitarras trash metal de sepultura con los ritmos Jungle y Drum and Bass. Víctima de su propio perfeccionismo, finalmente Shields no publicó nada. Colm O’Ciosoig, el baterista, y la bajista, Debbie Googe, se fueron; Googe acabó trabajando como taxista en 1995 a consecuencia del vacío financiero. Island dejó de darle avances a los que quedaron, Shields y Butcher, en 1997, pero no terminaría su contrato hasta 2001. Lo único que publicó la banda en todo este tiempo fue un cover de Wire.
Señalado por muchos como un nuevo Brian Wilson -el nuevo disco podría ser su Smile-, otras veces como un nuevo Syd Barret por sus supuestos problemas mentales, Shields colaboró en todo este largo tiempo con Yo La Tengo, Placebo, e incluso como mezclador con Primal Scream, entre otros.

Lo interesante del nuevo disco que MBV sacaría este año es que va a ser un revuelto del material de esas sesiones de grabación de mediados de los 90 junto con material nuevo. Vamos a poder ver el producto de todo ese novelesco conflicto creativo en una de las bandas más alabadas en estos 15 años. Shields dijo, según The Daily Swarm:

“We were making a record in the ’90s around when the band broke up in 1995…and I continued with Belinda [Butcher]. We kinda made most of an album… It’s going to be this 96/97 record half-finished, and then a compilation of stuff we did before that in 1993-94, and a little bit of new stuff.”

He added: “I pretty much know what the one that’s going to come out this year is going to sound like because its already pretty much three-quarters done already… it sounds like what we sounded like – different, but not radically different. People will go, “yeah, it sounds like My Bloody Valentine.”

Ahora a esperar.

Aquí va una entrevista del 90, en la época del Isn´t Anything.

Y un video de MBV en vivo -¿cómo eran capaces de reproducir ese sonido en directo?-:

“I don´t Believe in an Interventionist God…”

 

Finalmente le dieron un premio gordo a Nick Cave. Como si lo necesitara. En fin, el caso es que lo admitieron en el Salón de la fama de la Australian Record Industry Association el mes pasado, y en la ceremonia, en vez de solamente quejarse porque no admitieron a sus compañeros de los Bad Seeds y de The Birthday Party, él mismo se encargó de darles su entrada al Salón ahí mismo. Aquí está el video. Cuando uno no cree en dioses intervencionistas puede hacer cosas como esa, en vez de esperar mesías salvadores, milagros y ese tipo de bobadas.

El pedacito de “Into my Arms” en la fanfarria multimedia me mató. Qué canción:

I don’t believe in an interventionist God
But I know, darling, that you do
But if I did I would kneel down and ask Him
Not to intervene when it came to you
Not to touch a hair on your head
To leave you as you are
And if He felt He had to direct you
Then direct you into my arms

Después de esto y Grinderman, a esperar el nuevo disco de los Bad Seeds, “Dig Lazarus Dig!”que debe salir en marzo.

When the Music’s Over, o las muertes del rock 1

En este 2007 se cumplen variadas efemérides referentes a hitos de la vida de la música popular, particularmente esa que los humanos denominan rock. El verano del amor, el tsunami punk + new wave, el inicio de Madchester, por un lado, y por otro, aniversarios redondos de la publicación de algunos álbumes memorables, como la dupleta Low – “Heroes” de Bowie -sobre la cual espero escribir pronto-, el Ok Computer de Radiohead, los primeros discos de The Doors, The Velvet Underground, Pink Floyd, The Clash, The Sex Pistols, Portishead y Pixies; también joyas que sirven como ejemplo de madurez musical de algunas bandas como el Strangeways, Here We Come de The Smiths, The Boatman’s Call de Nick Cave and the Bad Seeds y I Can Hear the Heart Beating as One, de Yo La Tengo, entre otros muchos. Realmente vale la pena apostarle al 7 en el chance del rock. Lo interesante es que los dos últimos años acabados en 7 sí los vivió mucha gente como uno, vivió de verdad la cosa así fuera de lejos, geográficamente hablando. Era más fácil. Uno se acuerda de la primera vez que oyó “Paranoid Android” en la radio, o “Behind the Wheel”, y de lo que pedía el ambiente, mientras que quienes estaban atentos en el 67 o el 77 difícilmente sabrían de la movida global. Hace 10 años la ola alternativa estaba agonizando, también acá en nuestro D.C. Salvo “Las moscas”, los bares roqueros no ponían nada de rock reciente interesante, y en cambio pululaban los bares techno. De pronto pasamos de la estética espartana roquera a los excesos neosicodélicos electrónicos. Desde entonces escucho gente pedir con fervor que los DJ’s pongan tandas de rock rumbero de calidad. Lo peor es que muchos de los que tres o cuatro años habían sido fervorosos alternos (grungeros, góticos, semi punks, etc.) de repente se convirtieron al credo electrónico sin parpadear. Renegaban hasta de su colección de discos y la vendían para conseguir las ruedas con las que viajarían en esta nueva rumba. El problema era que uno les preguntaba por Detroit o la Haçienda y no tenían ni idea de nada.

Lo mejor de todo esto fue cuando se extendió la idea de que la electrónica había llegado para quedarse, desbancando al rock, ya muribundo. Otros géneros como el hip hop y el viejo R&B también lo estaban opacando en ventas por primera vez desde los 60′ (dificil que no, si había cambiado el método de medición). U2 y R.E.M, entre otras bandas con el sol a sus espaldas, corrieron a sacar discos que incorporaban estos sonidos. Curiosamente, esto se daba al tiempo que la especulación financiera de las empresas dot com.

Al final sólo quedó lo de siempre: pocos artistas muy buenos para recordar, algunos albums buenísimos y listo. La electrónica hace parte ahora de la inmensa paleta que tienen los músicos rock para meter a su olla podrida. Oigan otra vez a LCD Sound System y verán a qué me refiero.

Aun mejor que todo este proceso es que la ola electronica ya había venido una vez, y muy fuerte, causando pánico por todas partes: eran los tiempos del primer synthpop, cuando Depeche mode, Yazoo, Eurythmics y especialmente Human League se volvieron incómodamente populares para muchos. Vean este botón de muestra, respecto al impacto del Dare! en la cultura Pop del 81 – 82:

The rock establishment were horrified at the lack of conventional instruments and a bitter debate developed over fears that the new technology would banish guitars forever. In a move against synths, the Musician’s Union even began a campaign in the light of Dare called ‘Keep it Live’. They believed that the keyboards could compose melodies ‘at the touch of a button’ thus making session musicians redundant. Unfounded fears were also beginning to surface regarding the use of this technology during live concerts, but it was just the typical wave of hysteria that greets any advancement in technology.

Ni hablar del post rock y esos inventos de pseudo-académicos.

Los últimos dias del imperio

Esto era la música popular antes de que el fonógrafo y el acetato se hicieran populares. ¿Imaginan a una multinacional como la Warner vendiendo sheet music en el 2007? Igual parece que lo estuvieran haciendo.

La venerable Rolling Stone publicó en su último número un diagnóstico de la otrora poderosa industria discográfica. Las conclusiones no sorprenden a nadie. Las gigantescas multinacionales del disco van de mal en peor, a pesar de su estructura monopólica. La caída de las ventas en un 25% del 2000 al 2006 lo dice todo.

Lo interesante viene a ser la segunda parte del artículo, el futuro de la industria, las posibles mutaciones que sufriría para sobrevivir. La teoría del acceso universal a todas las redes de música via publicidad, es utópica, por lo menos en términos de la industria, que dejaría de recibir muchísimos dólares mas. En términos reales, para eso están las p2p. En cambio, la propuesta de la legalización de estas redes es bastante realista, especialmente porque no intentaría cambiar los hábitos de nosotros los clientes. Así mismo lo es la teoría del cambio de papel de las disqueras: se convertirían en cualquier cosa excepto en vendedoras de objetos palpables. La teoría de la proliferación de formas de venta de música y la que afirma que los consumidores nos convertirámos en vendedores al menudeo, pecan por optimistas. Por más puntos y formas dinámicas de venta que pueda crear la industria discográfica, eso no cambiaría las tendencias de la gente.

 

Permanecer en el modelo tradicional en esta época de la música desmaterializada es como abogar por la sheet music en los 60′s, en pleno inicio del auge del álbum. Lo mejor de todo esto es que es una encrucijada que evidencia los problemas de la Era de la información, de una forma casi transparente. Gran parte del problema de las disqueras es que se quedaron en el modelo ideológico- económico anterior, y por eso la están pagando caro.

Los propósitos de la música

 

¿La música debe servir para algo? Digamos que la gente que disfruta de este arte tiene diferentes posiciones: sirve para bailar, para amoblar o decorar espacios, para enamorar (se), para deshacerse de la rabia y la frustración, para distraer, para generar conciencia política, para denunciar, para tirar… Las opiniones se hacen más radicales dependiendo del género preferido.

 

El Observer Music Monthly, una revista del periódico británico The Observer, le propuso al maravilloso Jarvis Cocker que editara el número de octubre de 2006. El frontman de los nunca bien ponderados Pulp escogió el tema al que nos referimos, claro, el del propósito de la música. Para esto invitó a un grupo de don nadies, entre los que estaban Mary Margaret O’Hara, Anthony Genn, Beth Orton (miss Folktronica), Antony Hegarty (de Antony and the Johnsons), Paul Morley (el periodista que ayudó a crear el concepto de Post Punk desde la NME), y el mismísimo Nick Cave.

Aunque no hicieron explícitas sus respuestas a la pregunta original, y se fueron por las ramas, refiriendose más a los cambios en la industria musical y en la recepción de la música hoy, lo que afirman ayuda a delinear lo que es la música hoy. Aquí están algunos apartes, entre los que más me gustaron:

 

Paul Morley: “I do think it’s fascinating that 25-30 years after these pieces of music had a meaning to people who felt so passionate about what they stood for, they’re being used to sell something. I think that’s what you mean when you say music is everywhere now. Twenty-five years ago, when we were beginning our little lives in this world, music was oddly marginal and, oddly, it meant something, and now it has become a commodity. People of a certain age find it very bewildering. All those things we thought were important … they’ve been co-opted by the capitalist world to give what it has to sell the illusion of hipness and cool, so that the whole world feels as if they’re in on the revolution and that they’re hip and they’re cool. But the meaning of it has been sucked dry.

People are starting to collect music in the same way that they collect stamps. People who weren’t really interested in music as such are now worried about whether they’ve got 15,000 songs, and I think that’s had an interesting effect …

Music has opened up so people can grab whatever they want whenever they want it, which is fantastic, but the music industry is trying to shape and control what’s happening. I find the little white box and the little white wires of a company trying to control the decisions we make sinister…

We’re all spoilt for great music at the moment, because everything that’s ever been is instantly available and there are some fantastic representations of everything that’s ever been available from a lot of new groups.”

Anthony Genn: “People are freer to make music than they ever were. Even in the days of punk, someone had to pay for you to make a record. Now you can download software to make your own music. Twelve-year-old kids make bands and they have their MySpace sites, and it sounds alright, man.”

Jarvis: “I agree that post-punk has been revived with none of the ideology. It’s been reduced to style…

What I’m saying is music is becoming more mundane, because it surrounds us so much, it’s no longer something that tears through modern life, it’s something that is the part of the fabric of modern life.”

Nick Cave: What happens in the market, I don’t consider it, downloading and all that. For me what music is for is very much a selfish thing. All I know is that I have to do it on a regular basis or I don’t operate correctly. What happens with the records and the history of the thing: I feel I have absolutely no control over that, and I’m not even interested in it personally…

The other thing about music that I really like … when I was kid there was no real information about music. You got a record with a cover – and you didn’t really know much about the band – and you put the record on and stared at the cover and that’s pretty much all the information you had, and these people were heroes. They were mysterious, heroic people … And the internet and everything else has taken a certain amount of that away.

The mystique is disappearing. Now that might be a good thing or a bad thing, but for me, I don’t want to know everything. I want the people I really love to remain difficult to get to.”

 

De cierto modo estoy de acuerdo con toda esta gente, especialmente con lo que dicen Jarvis Cocker y Nick Cave al final, la forma como la música se ha hecho mucho más mundana, sin esa aura de misterio que tenía antes, aunque no estoy seguro de que eso le reste sentido.

¿Para usted, querido google robot & los 5 otros lectores, para qué es la música? ¿Tiene algún sentido? ¿De verdad la oímos de una manera tan diferente ahora y entonces significa otra cosa?

Lecturas para hacer música

Estas son algunas canciones basadas en novelas, escogidas por la revista Q hace unos añitos.

1. Kate Bush – Wuthering Heights (Cumbres borrascosas/Emily Bronte)
2. Sting – Moon Over Bourbon Street (Entrevista con el vampiro/Anne Rice)
3. Jefferson Airplane – White Rabbit (Alicia en el país de las maravillas/Lewis Carrol)
4. Led Zeppelin – Battle of Evermore (El señor de los anillos/JRR Tolkien)
5. U2 – Shadows & Tall Trees (El señor de las moscas/William Golding)
6. Genesis – Mama (Moon’s a Balloon/David Niven)
7. Cure – Killing an Arab (El Extranjero/Albert Camus)
8. Metallica – For Whom the Bell Tolls (Por quién doblan las campanas/Ernest Hemmingway)
9. Nirvana – Scentless Apprentice (El perfume/Patrick Suskind)
10. Rolling Stones – Sympathy for the Devil (El maestro y Margarita/Mikhail Bulgakov).

Ahí podríamos meter la mitad de la discografía de los Smiths y de Morrisey, inspirada en Oscar Wilde, Keats, Yeats, etc., y a Joy Division y su amor por J. G. Ballard y William Burroughs.

Se esperan aportes del público lector del blog (como dice Estepario, Google robot y los demás) .

Música para leer

Entre tanta basura que prensan, han prensado y prensarán las disqueras de este planeta, es necesario escoger bien para no caer en las garras de la mala música. Los consejos de los amigos bien informados pueden ser valiosos en ese caso, pero también es bueno acudir a los odiosos críticos de vez en cuando.

En mi caso, comencé a leer crítica musical en La prensa, un periódico ya desaparecido, incluyendo unos fascículos buenísimos sobre la historia del rock que originalmente habían sido publicados por el periódico madrileño El país. Desde ese entonces, cada día desprecio más a Manolo Bellón como crítico (puede que sea un buen tipo), y en general a sus vástagos miopes con sus ascépticas cantaletas de pop adulto contemporáneo.

Debo reconocer que esta gente ha llegado a influenciar en gran medida mis adquisiciones y mis juicios, pero no siempre para bien. El caso más patente es el de la primera revista de música que compré, la Spin de diciembre del ’91. En ella se hacía el balance del año que terminaba (un súper año inolvidable para la música) dejando muy mal librados a dos discos que luego serían primordiales para la década: el Achtung Baby de U2 y el Loveless de My Bloody Valentine. Al primero lo tildaban de remedo de los Stone Roses y sobre segundo sólo subrayaban el neurótico trabajo en las guitarras de Kevin Shields. Qué miopes. Luego arreglarían la metida de pata, claro.

En fin. Para quienes les agrada leer sobre música,The Guardian, el periódico británico, propuso esta lista de los 50 mejores libros sobre música. Si el niño Dios- Amazon lo permite, estaremos disfrutando de un par de ellos con el tiempo (aunque la mayoría están fuera de catálogo hace rato). En la lista no están dos clásicos: Lipstick Traces, de Greil Marcus, ni Rip it up and Start again, de Simond Reynolds, pero bueno, sí está England’s Dreaming, de Jon Savage. Después de todo la lista es sobre libros de música, no sobre libros de Rock.

Aprovecho el post para hacerle publicidad a Piero Scaruffi, el crítico que más admiro, especialmente porque no sólo es crítico de música. Cuando sea grande, espero ser como él.

“If it’s not Scottish, it’s crap”

El rock – pop escocés le ha dado muchas joyas a nuestra amada música popular contemporánea, desde hace ya mucho tiempo. Muchos de nosotros tenemos entre nuestras bandas favoritas a algún highlander. Pues bien, por ahí encontré una lista de las mejores bandas escocesas, por la cual votaron democráticamente por tres meses 12.000 interesados, en una encuesta hecha por la revista List (Doh!) en 2005. La lista quedó así:

1 Belle & Sebastian
2 Travis
3 Idlewild
4 Wet Wet Wet
5 Sensational Alex Harvey Band
6 Simple Minds
7 Teenage Fanclub
8 Bay City Rollers
9 Primal Scream
10 The Proclaimers
11 Texas
12 Mull historical society
13 Big country
14 Snow Patrol
15 Franz Ferdinand
16 Bis
17 Deacon Blue
18 Fish
19 Jesus and Mary Chain
20 Mogwai
21 Runrig
22 Trash Can Sinatras
23 Del Amitri
24 Orange Juice
25 Nazareth
26 Beta Band
27 Biffy Clyro
28 Altered Images
29 Aztec Camera
30 Eddi Reader
31 Goodbye Mr Mackenzie
32 Fire Engines
33 Delgados
34 Arab strap
35 Vaselines
36 Associates
37 The Pastels
38 Eurythmics
39 Aereogramme
40 Blue Nile
41 Boards of Canada
42 Rezillos
43 Incredible string band
44 Cocteau twins
45 Dogs Die in Hot Cars
46 Spare Snare
47 Average White Band
48 Lulu
49 Skids
50 Shamen

(un buen complemento es esta lista de los mejores discos rock-pop escoceses, hecha por un equipo de músicos y críticos)

Como en otras listas democráticas, las masas parecen sufrir de amnesia repentina. Ahí están todos lo que son pero como en desorden, así que lo mejor es intervenir para hacer justicia. Por calidad, influencia sobre otras bandas, originalidad y sentimentalismo, estas son mis top 10 scottish bands:

1. Cocteau Twins. Elizabeth Fraser a.k.a. la voz de dios. La gloria en la tierra. Los inventores del Shoegaze. ¿Qué más quieren?

2. Primal Scream. Hicieron el disco de discos de la onda madchester, Screamadelica, en el que mezclaban a los Rolling más negroides con la electrónica bailable (sólo el primero de Stone Roses los supera). Han sabido envejecer muy bien.

(“Higher than the sun” no es tan rumbera, pero es muuuy trippie:)

3. Jesus and Mary Chain. Formadores del noise rock y propulsores del grunge, les deben desde Sonic Youth y Pixies hasta los Blonde Redhead. Su Psychocandy es un manual sobre cómo administrar bien el ruido en el pop.

(aquí en Never understand, con Bobby Guillespie antes de formar Primal Scream:)

4. Eurythmics Con la voz de Annie Lennox (a.k.a. “¿es un man o una vieja?”) y la música de Dave Stewart, este dúo creó himnos karaoke como “Sweet Dreams” y “Here comes the Rain”. Hacen parte de los cimientos del synthpop de los 80. Y además, Chucho Merchán fue su bajista por un tiempo.

5. Teenage Fanclub. Lo mejor del power pop británico. Su etapa semi-grunge produjo dos de los mejores discos de los 90: A Catholic Education y Bandwagonesque. Oasis, Blur y el primer Radiohead aprendieron seguramente con ellos.

 

6. Vaselines. Íconos indie escoceses. Una de las fuentes de inspiración de esta banda de Seattle… cómo es que se llama… ¿Samsara?

 

7. Simple Minds. Más allá de “Don’t you Forget about me”, esta banda hizo un buen balance entre el rock épico estilo U2 y la oscuridad post punk. Los de Coldplay les deben oir de vez en cuando.

8. Belle & Sebastian. Pop de cámara de lujo. La banda sonora de todo nerd ensimismado, incluyéndome, desde hace 10 años. Es más fácil tragarse del primer disco de Arcade Fire cuando uno ha oido los dos primeros de B&S.

9. Bay City Rollers. Los Ramones querían imitarlos en su primer disco, pero como no pudieron, les salió “Beat on the Brat”.

10. Rezillos. El aporte scottish a la primera generación punk británica, a la altura de los Buzzcocks.

Fuera de concurso: Sheena Easton:

Sin palabras.

Para terminar, el gol de Gemill contra la mismísima Holanda en Argentina ’78, recordado por los amantes de otra joya escocesa, Trainspotting:

Youtube

Creo que la mayoría de foristas de nuestros periódicos y revistas les ganan.